Esta semana el artista Edgar Sánchez, viaja a Madrid a inaugurar el sábado 14 de abril, una exposición de 40 de sus obras en  la Galería Odalys de la Calle Orfilia de esa ciudad, en medio de una llamativa campaña de promoción, que incluye dos piezas esenciales; un video de la muestra, realizado en un minuto por el Equipo de Comunicaciones de la Galería y un texto de presentación del evento, redactado con maestría por Federica Palomero y publicado en el catálogo. En una pausa de los preparativos del viaje, tuvimos el privilegio de conversar con el Maestro en la sala de su hogar, un ambiente enmarcado por el Ávila y decorado bellamente por la señora de la casa, Yolanda Sánchez.

— ¿Cómo organizó esta exposición y cuáles son sus principales características?

–Hay algo fortuito en todo esto – dice Edgar Sánchez- que no termino de estructurar y no me gustaría tener que hacerlo para no salir del asombro. Es una de las cosas más hermosas que me ha ocurrido en mucho tiempo. Después de varios contratiempos se abre un horizonte y un horizonte maravilloso donde puedo mostrar lo último de mi trabajo. He organizado una serie para esta muestra donde el centro son las obras recientes, pero con el refuerzo de obras del pasado y de mis dibujo favoritos. De las 40 piezas seleccionadas, 24 son pinturas y el resto dibujos.

— ¿No se produjo alguna controversia entre las dos galerías que lo representan?

–Odalys me invitó y yo acepté y la galería Freites, aceptó. Creo que cuando todo se hace armoniosamente, cuando todo se conversa y se hace con una intención sublime, las cosas funcionan a las mil maravillas

— ¿Por qué la muestra se llama Transfiguraciones?

— El nombre es de Federica Palomero, una persona que conoce mi obra perfectamente bien y  es un nombre que me ha gustado mucho. Ella habla de transfiguraciones desde que yo soy un adolescente en el mundo de la pintura, hasta el hombre que transita haciendo nuevas cosas. Habla de una modificación continua en ese proceso artístico, pero siempre guardando la afiliación.

— ¿El boom del dibujo que usted liderizó a finales de los 60 estaba vinculado al movimiento mundial que sacudió la política, la cultura y la vida de muchos en ese tiempo?

— Sí, yo creo que fue un momento de gran euforia en el campo de la vida venezolana y euforia en el campo de la creación, en general. En lo que respecta al dibujo, hay quienes consideran que fui protagonista de ese boom del dibujo en Venezuela.  Realmente yo venía de ser un docente y tener bajo mi tutela a toda una cantidad de jóvenes que estudiaban arte. Me tocó de alguna manera guiarlos. Ocurre que entre el grupo que ya dominaban el género y quienes se iniciaban en él, comienza a haber como un juego de comunicación sobre lo que hacía cada quién y eso originó el criterio y el boom.

— ¿Quiénes participaron?

— Cerca de 20 0 30 dibujantes de primer orden, entre ellos; Pancho Quilici y Alirio Palacios.

Edgar Sánchez señala que otros factores incidieron en el despegue del dibujo a comienzo de los 70 . “Había centros que producían artistas gráficos como el Instituto de Diseño Neumann, estaba la Escuela de Artes Plásticas con su  acción sobre todo en la pintura y el dibujo y el Centro de Enseñanza Gráfica (CEGRA) que se dedicaba a  la enseñanza de las  artes gráficas y también, serigrafía, agua fuerte y grabado. Quiere decir que estaban dados, todos los elementos para que se diera el boom; los recursos para producir artistas, todos los medios que difundían sus dibujos y estaba el cuerpo docente que configuraba esa estructura académica” explica uno de sus artífices.

–¿ Luego decayó el dibujo y resurgió la pintura?

–Yo creo que nosotros somos un pueblo de pintores ; primero  porque tenemos una naturaleza muy fuerte, tenemos una luz muy fuerte y tenemos una tradición eminentemente  pictórica . Yo creo que la tradición dibujística   ha estado muy fragmentada, y en el caso de los años 70  se produjo esa confluencia a la cual me referí, pero creo que todo el grupo de artistas incluyéndome, no teníamos al dibujo como una forma de expresión autónoma, sino que era como un primer estado para llegar a la pintura y eso finalmente ocurrió en muchos casos.

— ¿Podría describir la ruta que transita su trabajo plástico ?

–La primera parte son los rostros, esos rostros muy silenciosos que se fueron depurando, se re estructuraron, se convirtieron de repente en fragmentos de rostros. Después esos elementos de fragmentos de rostros pasaron a elementos muy simbólicos dentro del rostro mismo, hasta que llega el momento en qué si hay un rompimiento y entonces aparecen y también desaparecen y se  ocultan  los rostros en el espacio abierto, con gran colorido.  Así llegamos al presente.

— ¿ Por qué hay una similitud entre el hombre del Renacimiento y el personaje central de sus pinturas?

—  Quizás porque soy muy acucioso de la Historia del Arte sobre todo del Renacimiento hasta nuestros días. Conociendo a Piero della Francesca, conociendo a Leonardo cuyos retratos y dibujos en mi opinión son lo cumbre de la historia del arte, conociendo a El Bronzino con sus maravillosos retratos y a Giotto prácticamente el origen de todo; analizando todo el Renacimiento en Florencia y Roma y estudiando lo que sucede en Holanda, en Francia, en Inglaterra y Alemania, es imposible permanecer indiferente ante tanta riqueza y yo creo que generalmente algo queda de los estudios que uno hace. Y yo feliz de que haya quedado

— ¿ El protagonista de sus cuadros es usted mismo?

–Yo creo que sí. Yo creo que a la larga uno es el personaje central. Esa cantidad de obras poco a poco van configurando una imagen y esa imagen está reflejada en uno o uno se proyecta a través de ella ,buscándose , re elaborándose  o como  dijo Federica, transfigurándose.

El hombre está en el centro de la obra de Edgar Sánchez y eso tiene mucho que ver, según lo afirma,  con su propia vida y con las influencias pictóricas que recibió. Sobre el particular destaca :”Yo siempre fui fiel a la imagen aun cuando, pensándolo bien, me doy cuenta de que en la objetividad presente en los cuadros, hay momentos invisibles y ocultos que hablan de una abstracción, que hablan de subjetividad y hablan de climas que se están por encima de la pintura misma , del propio objeto. Ese clima es esencialmente poético y la poesía es completamente abstracta.

-Muchas veces- continúa disertando el maestro-  la figura es un pretexto para hablar de otras cosas y para ingresar a distintos espacios . Son como puertas que se abren. Yo nunca he sido retratista. Hice autorretratos en cinco o seis obras porque necesitaba un modelo y el más cercano que tenía era mi persona y Yolanda que es mi otra modelo. Entonces hay un cuadro en que estamos los dos y precisamente  es uno de los cuadros que comienza a marcar la diferencia entre toda una etapa de los dibujos y esa parte un poco exhaustiva en sus propósitos, a una en la cual yo me siento más libre.

–¿ A qué se debe su predilección por el gran formato?

— Básicamente hubo como una propensión al gran formato producto de las influencias de la pintura de artistas como Jackson Pollock , Willem de Kooning y Ernest  Descals Pujol pero creo que además sentí  que a través del gran formato se podía  trascender de una manera completamente nueva.

–¿Cómo pasó de la figura al paisaje?

— Son órdenes que se corresponden. Por ejemplo, si uno hace un análisis de la pintura del pasado del paisaje, en la obra de Joachim Patinir por ejemplo, el hombre está integrado al paisaje  y no hay un paisaje donde la medida no sea el hombre y  allí está la integración. En mi caso siento que el paisaje no es necesariamente un espacio lleno con árboles y casas o nubes y toda esa serie de elementos. Un paisaje es por encima de todo, espacio y dentro de esa   espacialidad, el hombre se desempeña y se pone de manifiesto buscando una verdadera integración.

— En ese sentido – explica el Premio Nacional de Artes Plásticas de 1999-  el  hombre aparece transformado y desaparece o busca ocultarse a través de ese espacio. Es como un ocultamiento. Yo creo que la forma de ocultarse, hacerse misterioso o intenso o distante es una manera de expresarse. Si se mostrara a cabalidad  cómo son  esos espacios se destruiría parte de ese misterio .En cambio en el  ocultamiento hay una nueva presencia y esa nueva presencia, se hace como más elocuente.

— Su obra más reciente es en blanco y negro…

–Clara  Sujo la definió en una oportunidad como pinturas monocromas y me parece  muy acertado ese nombre. Lo que pasa es que la problemática de luz y sombra en estas obras se hace más más fuerte y más contrastada desde el punto de vista expresivo, pero sigue siendo una pintura con muchos matices y con la misma problemática que mostraba en todas mis pinturas anteriores , pero resueltas de una manera distinta.

— ¿Y ahora que viene?

–Nunca se lo que viene. Para organizar lo que viene tengo que ver lo que he  hecho, dónde están esas cosas , y cuál es el efecto  de ellas en el presente Hay cosas que se hicieron hace 40  muchos de esos dibujos sobre todo y hay en día los miro y veo que su forma poética no se ha perdido. Era una poesía densa, muy fuerte , que posiblemente no daba concesiones y era muy directa. A mucha gente le daban miedo. Pero ahora siento que se han dulcificado.